Auswählen von Kunstwerken für Ihr Zuhause – Interpretieren eines Gemäldes

DIE ERZÄHLUNG

Suchen Sie zuerst nach der Erzählung, beschreiben Sie einfach, was Sie sehen. Wer oder was ist abgebildet, was ist los? Wenn Sie Menschen und Dinge sehen, ist das Gemälde figurativ; Wenn Sie Linien und Spritzer sehen, wählen Sie nicht figurativ. Der Name des Gemäldes könnte nützlich sein, besonders wenn es um Dali geht.

Was scheint für den Künstler wichtiger zu sein – Repräsentation oder Ausdruck? Vergleichen Sie die Bilder in den Stilen von Hyperrealismus und Expressionismus – Sie können immer erkennen, ob die Bilder idealisiert oder ausdrücklich verzerrt aussehen.

Beachten Sie die Gefühle, die Sie beim Betrachten des Gemäldes bekommen, den allgemeinen Eindruck, den das gesamte Gemälde und seine Elemente hervorrufen – später werden Sie tiefer graben, um zu verstehen, was diese Emotionen inspiriert hat. Es gibt einen Grund, warum Sie ein Gemälde mehr mögen als das andere. Ihr Kunstgeschmack ist so einzigartig wie Ihr Geschmack an Lebensmitteln oder Kleidung, inspiriert von Ihrem Hintergrund, Ihrer Erziehung und sogar Ihrem Fachwissen.

DER HINTERGRUND

Sammeln Sie Informationen über den Künstler und den historischen Hintergrund. Um „Guernica“ von Picasso zu analysieren, müssen Sie wissen, dass Guernica eine Stadt ist, die von den Nazis zerstört wurde, und Sie müssen sich über die wesentlichen Merkmale des Kubismus informieren. Um das Bild des Küssens von Menschen zu interpretieren, die in Magritt’s „The Lovers“ mit einem Stück Stoff bedeckt sind, fällt alles, was Sie beim Betrachten des Gemäldes vermuten, flach, sobald Sie wissen, dass die Mutter des Künstlers im Fluss ertrunken ist, und wenn sie gefunden wird, ein Stück Stoff wurde um ihren Kopf gewickelt. Verlassen Sie sich also nicht zu sehr auf Ihre Fähigkeiten und Ihren Geschmack. Es gibt Dinge, die Sie wissen müssen, bevor Sie Annahmen treffen.

Der historische Hintergrund der Bilder selbst ist wichtig. War der Künstler ein Innovator, hat er einen neuen Trend oder eine neue Bewegung ins Leben gerufen, deren Schritten er / sie gefolgt ist? An welchen Experimenten war er beteiligt? Wie wurde das Gemälde von den Zeitgenossen wahrgenommen? Claude Monet begann den Impressionismus mit dem Gemälde „Sunrise. Impressions“. Malevych begann den Suprematismus als eine Entwicklung des Abstraktionismus und legte die neue künstlerische Theorie der Farbe, der Form und der Komposition des Gemäldes fest. Die rauen Linien und rohen Farben in den fauvistischen Gemälden lassen sich auf Van Gogh zurückführen. Denken Sie, dass in dem Gemälde, das Sie betrachten, etwas Neues vorgeschlagen wird, oder gibt es überhaupt etwas Besonderes daran?

DAS GENRE

Das ist einfach. Es gibt eine begrenzte Anzahl von Genres in der bildenden Kunst, in die Sie das Gemälde einordnen können: Ist es ein Porträt, eine Landschaft, ein Seestück, ein Stadtbild, eine Genremalerei, ein Kampfstück, eine historische Malerei, eine religiöse oder mythologische Malerei, eine literarische Malerei, ein Selbstporträt, ein animalisches Malerei, Akt, Stillleben oder ein abstraktes Gemälde?

DER STIL / DIE BEWEGUNG

Der schnellste Weg, ein Gemälde zu interpretieren, besteht darin, festzustellen, zu welcher Bewegung es gehört oder zumindest welche Bewegungen und Stile den Künstler beeinflusst haben. Der Stil beeinflusst die Auswahl und Behandlung des Motivs, die Farbe, die Perspektive und die Symbole.

Impressionisten experimentierten zum Beispiel mit ungewöhnlichen Perspektiven – Vogelperspektive oder Froschauge; Ihre Pinselführung ist sichtbar und die Farben werden separat gelegt, um sie im Auge des Betrachters und nicht auf der Palette zu mischen. Im Impressionismus ist das Licht wichtiger als die Menschen, von denen es abprallt – ganz anders als die Romantik.

In der Romantik muss man ein Dichter, ein Revolutionär, ein Zigeuner oder ein Vagabund sein, um in das Bild einzudringen – sie schätzten den kühnen Geist, die Freiheit und die Menschen, die anders waren.

Primitivistische (naive) Künstler stellten Objekte auf solide monumentale Weise dar, wie sie von einem Kind gesehen werden, das die Welt als Ganzes wahrnimmt, ohne sie zu analysieren und in unnötige Komponenten zu zerfallen.

In der Symbolik muss man nach der verborgenen Bedeutung suchen, und in der Pop-Art, der Op-Art, dem Jugendstil oder dem Hyperrealismus ist dies absolut sinnlos. Jeder Stil und jedes Genre legt seine Anforderungen fest. Aktualisieren Sie also die Bewegung, zu der der Künstler gehört, bevor Sie fortfahren.

DIE ZUSAMMENSETZUNG

Kehren Sie nun zum Thema und Ihren ersten Eindrücken über das Gemälde zurück. Es ist Zeit zu analysieren, wie der Künstler Sie dazu gebracht hat, sich so zu fühlen, wie Sie sich mit dem Künstler gefühlt haben. Die Komposition ist die Position und das Gleichgewicht der Objekte und Figuren im Raum, die Wechselbeziehung zwischen Größe, Farbe, Schattierung usw. Wie genau wirkt sich das auf Ihre Wahrnehmung aus? Lass uns eintauchen.

Betrachten Sie zunächst die Größe des Gemäldes. Je beeindruckender das Thema, desto höher die Emotionen, die es anspricht, desto größer ist es. Religiöse, mythologische Gemälde sind oft riesig – ihre massive Energie lässt Sie zittern. Es ist ziemlich verständlich mit figurativen Gemälden wie Rafaels „Die Sixtinische Madonna“ und subtiler mit Farbfeldgemälden von Mark Rothko. Menschen sind in Gegenwart seiner Kunstwerke oft von religiösem Zittern überwältigt, und die Größe spielt eine Rolle. Außerdem fordert das Motiv häufig größere Leinwände – Kampfszenen benötigen Platz und können nicht in ein kleineres Gemälde eingepasst werden, während einige Motive verloren gehen, es sei denn in einer kleineren Größe dargestellt.

Schauen Sie sich jetzt die Form der Leinwand an – Sie mögen es für selbstverständlich halten, aber es beeinflusst das unbewusste Gefühl, das Sie bekommen, wenn Sie ein Kunstwerk genießen. Runde und ovale Leinwände vermitteln den Eindruck von Gelassenheit und Vollständigkeit. Sie werden häufig für weibliche, weiche Porträts wie Ingres „Türkisches Bad“ ausgewählt. Rechteckige Gemälde – vertikal oder horizontal – sind komplizierter. Während es in Landschaften weit verbreitet ist, kann das horizontale Format dazu dienen, die dargestellte Figur zu verkleinern, Grenzen zu setzen oder zu vermitteln, wie Sie in Vrubels „Dämon“ sehen können. Das vertikale Format sorgt für Monumentalität und Stabilität.

Lassen Sie uns nun mit der Analyse des Zentrums der Komposition fortfahren. In der Mitte befindet sich ein optisches Zentrum – Sie werden feststellen, dass das Zentrum der Komposition, das Hauptelement, niemals dort platziert wird, da sonst die Szene künstlich aussieht. Das Zentrum der Komposition wird immer das auffälligste Element sein, und der Rest wird nur dazu dienen, sie ausdrucksvoller zu machen. Der Künstler kann verschiedene Mittel anwenden, um diesen Effekt zu erzielen – Farbkontraste, Licht- und Schatteneffekte, Größe der Objekte und Abstand zwischen ihnen. Sekundäre Elemente werden mit weniger Details und Kraft dargestellt – sie müssen das Zentrum nach vorne bringen, nicht blockieren.

Beachten Sie, wie Ihre Augen über das Bild wandern – intuitiv beginnen Sie in der Mitte und fahren mit den restlichen Elementen fort, um die Geschichte zu verfeinern.

Die Perspektive. Fühlst du die Distanz zwischen dir und dem Gemälde? Sind Sie Beobachter oder Teilnehmer? Die Art und Weise, wie Sie sich fühlen, wird von der künstlerischen Wahl bestimmt – es ist nie ein Zufall. Ein Künstler hat den Winkel sorgfältig ausgewählt: Sie können nach oben oder unten schauen oder sich auf der gleichen Ebene wie die abgebildeten Objekte befinden. Wenn sich der Horizont auf Augenhöhe befindet, ist der Eindruck ruhig und stabil. Der hohe Horizont wird mehr Platz bieten, in Landschaften bietet er einen majestätischen Blick. Gemälde mit dem niedrigen Horizont, wie sie bei Dali üblich sind, sind monumental und unterstreichen die Größe der Objekte und Figuren. Die ungewöhnliche Aussicht auf Paris von Pissarro erschien, als er aus den Hotelzimmern malte.

DAS LICHT UND DIE FARBE

Das Licht und die Farbe des Gemäldes werden immer von der Absicht des Künstlers bestimmt, dem Konzept des Gemäldes. Berücksichtigen Sie also die Farbquellen, die Tageszeit und die emotionalen Auswirkungen von Licht und Schatten.

Ist das Licht neutral, scharf, mystisch?

Sind die Konturen rau oder verdeckt?

Welche Farben sind vorherrschend – tonal oder lokal, warm oder kalt?

Was sind die Hauptfarbfelder des Gemäldes und ihre Rolle in der gesamten Komposition? Ist das Licht optisch realistisch oder ausdrucksstark wie in Matisses Gemälde?

Spüren Sie den Rhythmus beim Wiederholen einer Farbe oder Kombination?

Dominiert eine Farbe?

Welche Emotionen erzeugt es?

DIE BÜRSTE

Abhängig von der Kunstbewegung und den persönlichen Besonderheiten des Künstlers kann die Pinselführung von zart und fast unsichtbar bis rau und plastisch reichen.

FAZIT

Gehen Sie noch einmal die Bilder und die Geschichte des Gemäldes durch. War Ihr erster Eindruck anders als der, den Sie jetzt sehen?

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